Elizabeth L. Wollmann, Hard Times: The Adult Musical in 1970s New York City (Oxford: Oxford UP, 2013), 271 pp.
Aug31

Elizabeth L. Wollmann, Hard Times: The Adult Musical in 1970s New York City (Oxford: Oxford UP, 2013), 271 pp.

Elizabeth L. Wollmann, Hard Times: The Adult Musical in 1970s New York City (Oxford: Oxford UP, 2013), 271 pp. Amerikastudien/ American Studies, 62.1   In Hard Times: The Adult Musical in 1970s New York City untersucht Elizabeth Wollman eine Untergattung des amerikanischen Musicals, die Musicalkenner meistens nur von ihrem verruchten Ruf her kennen und die auch nur selten in Studien zum amerikanischen Musical betrachtet werden, obwohl es sich mittlerweile um eine dominierende Untergattung handelt. Die Autorin entführt den Leser auf eine unterhaltsame Zeitreise in die zügellosen 1970er Jahre und gibt einen historischen Abriss über das für Erwachsene komponierte Musical, das spätestens seit der Premiere von Hair (1968) am New Yorker Broadway floriert. Wollmans Studie ist geprägt von einer informativen, sehr detaillierten Darstellung der selten besprochenen Untergattung des Musicals, deren Kontext sie beleuchtet und dabei auf ihre Verdienste im amerikanischen Theater aufmerksam macht. Wollman versteht ihre Untersuchung als kulturhistorische Darstellung des amerikanischen Musicals in den 1970er Jahren, das geprägt war von sexueller Revolution, dem Emanzipationsbestreben der Frau und der Debatte über die Gleichstellung Homosexueller. Was aber das feministische Musical mit dem Adult Musical zu tun hat, bleibt unklar. In I’m Getting My Act Together and Taking It on the Road geht es um die Gleichberechtigung der Frau in der Gesellschaft, und beide sind mit Sicherheit familientauglich und haben nichts mit den Musicals der anderen Unterkategorien zu tun, in denen sexuelle Zweideutigkeiten und Pornographie sowie leichtbekleidete oder nackte Akteure das erwachsene Publikum begeistern. Das feministische Musical hat nichts mit dem von Jonathan Ward geprägten Begriff „adult musicals” zu tun, den die Autorin in der Einleitung zu ihrem Buch aufgreift. Sie definiert „adult musicals“ als Musicals mit vollständig unbekleideten Akteuren, angedeuteten freizügigen Aktivitäten, sexuellen Anspielungen oder explizit freizügigen Dialogen bzw. Nummern oder ausdrücklich sexuellen Inhalten in der Handlung. Wollman beleuchtet das amerikanische „adult musical“ in seinem historischen, kulturellen und künstlerischen Zusammenhang durch die verschiedenen Dekaden von seinem goldenen Zeitalter bis zu seinen heutigen Ausprägungen. Dabei versucht sie das Adult Musical aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten und auch diverse Vernetzungen aufzuzeigen, indem sie zwei Musicals, nämlich Oh! Calcutta! und Let My People Come, gewissermaßen als rote Fäden die gesamte Studie durchziehen lässt. Auf einer begleitenden Website werden dem Leser Hörbeispiele und zusätzliches Bildmaterial geboten, auf die auch im Buch hingewiesen wird. Wollman ist Lehrbeauftragte für Musik am Baruch College in New York und hat in ihrem Buch The Theater Will Rock: A History of the Rock Musical, from Hair to Hedwig (2006) eine weitere Untergattung des amerikanischen Musicals untersucht. Auch ihre vielen Besuche des New Yorker Broadway machen sie zu einer Expertin auf dem Gebiet. Das Buch gliedert sich in vier thematisch gegliederte...

Read More
Daniel Stein, Music Is My Life: Louis Armstrong, Autobiography and American Jazz, Jazz Perspectives (Ann Arbor: U of Michigan P, 2012), 349 pp.
Aug31

Daniel Stein, Music Is My Life: Louis Armstrong, Autobiography and American Jazz, Jazz Perspectives (Ann Arbor: U of Michigan P, 2012), 349 pp.

Daniel Stein, Music Is My Life: Louis Armstrong, Autobiography and American Jazz, Jazz Perspectives (Ann Arbor: U of Michigan P, 2012), 349 pp. Amerikastudien/ American Studies, 62.1   Based on his award-winning dissertation, Daniel Stein’s book is a timely and innovative addition to the vast amount of scholarly literature on Louis Armstrong. It is a welcomed intervention into the discourses established by biographies and music or jazz histories: Music Is My Life: Louis Armstrong, Autobiography, and American Jazz revolves around the musician’s various forms and practices of life writing and situates them within larger socio-cultural constellations and historical contexts. At the same time, it constitutes a methodologically and theoretically ambitious study that presents an inspiring take on autobiography understood as “a writing practice” (12) and on intermediality. Stein discusses Armstrong’s “autobiographics” (17) not only on the basis of the musician’s two autobiographies (Swing That Music and Satchmo: My Life in New Orleans) but also with regard to Armstrong’s published and unpublished letters, essays, interviews, recordings, articles, and his performances in e.g. music, film, photography, and stage acting. Stein’s approach to this wealth of material from the Armstrong archive as well as secondary sources speaks to both his thorough research and his excellent analytical skills. Armstrong emerges as prolific writer, chronicler of his life, and maybe even “jazz’s most productive autobiographer” (8). Music Is My Life sets out to understand Armstrong as “transmedial artist” and to trace “the intermedial effects of [his] autobiographical performances” (23). Stein lays out four goals for his study: to assess Armstrong’s role in the creation of his public persona, to contribute to the scholarship on “jazz autobiography” (William Kenney), to analyze jazz as an intermedial phenomenon, and to understand the historical constructions of “blackness” from the minstrel stage into the civil rights era (cf. 26-27). Against the backdrop of these objectives, the six chapters cover different aspects of Armstrong’s autobiographics while documenting his career and life writing. Stein starts out (chap. 1) with close readings of Armstrong’s reflections on New Orleans jazz traditions and especially “musicking” (Christopher Small), i.e. music making as activity and practice. He reads Armstrong’s personal account of his New Orleans years as intervention into jazz history, as an assertion of his position as cultural icon, and as a template for the public construction of his life narrative. The following analyses (chap. 2 and 3) focus on the performativity of Armstrong’s writing practices and the stylistic features of his texts and musical performances. Stein traces the musician’s literary influences and references to various traditions and narratives (e.g. the rags-to-riches formula or African American autobiography). He interrogates the tensions between Armstrong’s vernacular style,...

Read More
Rauhut, Michael. Ein Klang Zwei Welten – Blues im geteilten Deutschland, 1945 bis 1990 (Bielefeld: Transcript Verlag, 2016), 366 pp.
Aug31

Rauhut, Michael. Ein Klang Zwei Welten – Blues im geteilten Deutschland, 1945 bis 1990 (Bielefeld: Transcript Verlag, 2016), 366 pp.

Rauhut, Michael. Ein Klang Zwei Welten – Blues im geteilten Deutschland, 1945 bis 1990 (Bielefeld: Transcript Verlag, 2016), 366 pp. Amerikastudien/ American Studies, 62.1   This book is the latest addition to Michael Rauhut’s series of publications on the topic of Blues and popular music in cold-war Germany. In contrast to most of the author’s previous works, Ein Klang – Zwei Welten sets out to examine the reception of Blues music not just in a specific area of Germany but seeks to compare the respective scenes in East and West Germany that formed around this music. After a brief introduction, Rauhut dedicates a short chapter to frequent misconceptions about Blues music and where these biases come from. The text’s main part is structured into four chapters, each of which is divided into five thematically linked subchapters, discussing and comparing key players of the German Blues scene, modes of interpretation and their political potential. Even though Rauhut makes clear from the beginning that his angle is very much that of a fan, he largely manages to convert his “subjective experience to scientific insight” (13). Except for the occasional romanticization of key figures like Günther Boas (54), he succeeds in not letting his fandom cloud his vision (13) but uses his exceptional knowledge of the German Blues scene to deliver an abundance of relevant information. The author excels when he compares different interpretations of Blues music; his assessment of the West German authenticity debates is especially interesting. By juxtaposing the various stances on what authentic Blues music is supposed to sound like (and how bizarrely they are intertwined with race) without explicitly voicing his own opinion, Rauhut’s bird’s eye view-style of writing cleverly exposes the absurdity of how a few white, privileged European music critics claimed absolute authority not just over the interpretation of Blues music but black experience as well. He does so by unearthing various Blues magazines and newsletters in order to shed light on the West German scene and by plowing through the vast amount of GDR-surveillance data available to him, thereby demonstrating how massively different and ideologically informed these individual networks of fans and musicians were. For example, the effort the intelligence agency of the Socialist Unity Party put into keeping such a marginal music at bay is quite impressive. Rauhut’s text, then, can be seen as a strong argument for the politically subversive potential of popular music, discarding the idea that it is too standardized and repetitive in order to have  any effect of the sort. However, the meticulous research that must have preceded this book is both its greatest quality and flaw, as it frequently...

Read More
Anja Schäfers, “Mehr als Rock ‘n’ Roll: Der Radiosender AFN Mitte der Sechziger Jahre” Transatlantische Historische Studien 52. Ed. Hartmut Berghoff, Clelia Caruso, and Mischa Honeck. (Stuttgart: Franz Steiner Verlag, 2014), 454 S.
Aug31

Anja Schäfers, “Mehr als Rock ‘n’ Roll: Der Radiosender AFN Mitte der Sechziger Jahre” Transatlantische Historische Studien 52. Ed. Hartmut Berghoff, Clelia Caruso, and Mischa Honeck. (Stuttgart: Franz Steiner Verlag, 2014), 454 S.

Anja Schäfers, “Mehr als Rock ‘n’ Roll: Der Radiosender AFN Mitte der Sechziger Jahre” Transatlantische Historische Studien 52. Ed. Hartmut Berghoff, Clelia Caruso, and Mischa Honeck. (Stuttgart: Franz Steiner Verlag, 2014), 454 S. Amerikastudien/ American Studies, 62.1   In ihrem Buch über den US-amerikanischen Radiosender AFN (American Forces Network) untersucht Anja Schäfers dessen Geschichte überaus gründlich und präzise, indem sie den Forschungsgegenstand aus den verschiedensten Perspektiven betrachtet. Ihre Studie schreibt nicht nur frühere Arbeiten fort, sondern darf vielmehr zu Recht als weiterführend angesehen werden. Die Historikerin beschäftigt sich mit der Gründung von AFN noch während des Zweiten Weltkriegs, im Jahr 1943 in Großbritannien, sowie mit der Inbetriebnahme des Senders in Deutschland mit der Sendeanlage in Ismaning bei München im Jahr 1945. Ferner setzt sie sich mit den sich wandelnden Programminhalten und der Wirkungsgeschichte der frühen Jahre des Senders auseinander. Schäfers betrachtet 1965 als ein Wendejahr, indem sie darlegt, dass der Sender danach seine nicht US-amerikanische Zuhörerschaft, darunter ein beträchtlicher Anteil von Deutschen, verlor. Die Gründe hierfür lagen erstens in den Servicewellen, die sukzessive in der ganzen Bundesrepublik eingeführt wurden und mit einer standardisierten Stundenstruktur ausgestattet waren. Hinzu kam die Aufnahme anglo-amerikanischer Popmusik in die Sender. Drittens wurden die Programme zunehmend in narrativer Form moderiert. Und schließlich wurden die Programme mit formatierten Kurzbeiträgen versehen. Daher ist es sinnvoll, dass Schäfers ihre Studie mit dem Jahr 1965 abschließt, gehört der US-amerikanische Radiosender ab diesem Zeitpunkt doch mehr und mehr der Geschichte an.  Zweifelsohne hatte AFN positive (Spät-)Folgen. Am deutlichsten ist dies an der „AFN-Generation“ der nach 1945 Geborenen zu sehen. Denn sie waren der Grund für die Richtungsänderung, die der Verbund der öffentlich-rechtlichen Rundfunkanstalten (ARD) der Bundesrepublik Deutschland weg von einem auf Bildung ausgerichteten Radio mit anspruchsvollen, stündlich alternierenden Inhalten hin zu einem „Populär-Radio“ und auf schnellen Service ausgerichteten Magazin vollzog. Geprägt wurde der neue, „frische“ Stil eines modernen Radios von einer Generation jüngerer, aufstrebender Hörfunkjournalisten, die allesamt über AFN-Hörerfahrungen verfügten und nunmehr begannen die Funkhäuser der ARD zu „infiltrieren“. Als prominentes Beispiel sei der deutsch-US-Amerikaner William McCreery Ramsey genannt, besser bekannt als Bill Ramsey. Er war ein Aushängeschild von AFN, begann als Discjockey, arbeitete nebenbei als Jazzsänger in diversen Clubs in Frankfurt und stieg schließlich zum landesweit populären Schlagerstar, TV-Entertainer und Schauspieler auf. Dass alle von Schäfers befragten Zeitzeugen, Publizisten und Literaten, darunter Günter Kunert und Wolfram Schütte, von AFN als Radiosender und dem völlig neuen Sound, den er spielte, noch heute begeistert sind, ist daher auch nicht verwunderlich. Und so kann es auch nicht überraschen, dass sie die von AFN verkörperte Mischung aus cool-lässigem Lebensstil, Modernität, dekretierter Lockerheit und Populärmusik—von Country über Rock ‘n’ Roll bis Swing und Soul,...

Read More
Stefan Pavenzinger, The Voice of America. Die gesellschaftspolitische Vermittlerfunktion Johnny Cashs 1963-1972. (Trier: WVT, 2012), 408 pages.
Aug31

Stefan Pavenzinger, The Voice of America. Die gesellschaftspolitische Vermittlerfunktion Johnny Cashs 1963-1972. (Trier: WVT, 2012), 408 pages.

Stefan Pavenzinger, The Voice of America. Die gesellschaftspolitische Vermittlerfunktion Johnny Cashs 1963-1972. (Trier: WVT, 2012), 408 pages. Amerikastudien/ American Studies, 62.1   Johnny Cash ist eine der herausragenden Künstlerpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts. Seine Jahrhundertstimme, der unverwechselbare Sound und ein Songrepertoire, das die Geschichten des Lebens und des Landes erzählt, haben den 2003 verstorbenen Country-Sänger zu einem Klassiker der populären Musik gemacht. Klassiker erleiden bekanntlich häufig das Schicksal, dass sie in Vergessenheit zu geraten drohen. Bei Cash kann davon keine Rede sein. Wie groß sein Einfluss auf die US-amerikanische und weltweite Popkultur eingeschätzt wird, lässt sich an den zahlreichen Büchern und Artikeln ablesen, die mittlerweile über ihn publiziert wurden. 2013 etwa erschien eine 700 Seiten starke Biographie aus der Feder des bekannten Musikjournalisten Robert Hilburn, die Cashs bewegtes Leben minutiös nachzeichnet und sein künstlerisches Schaffen bilanziert. Längst ist Johnny Cash auch zu einem Gegenstand der Wissenschaft geworden. In den meisten Arbeiten stehen die künstlerischen Aspekte, also die Musik, im Vordergrund. Cash, der 1932 in Kingsland, Arkansas, auf die Welt kam und seine Kindheit und Jugendzeit auf den Baumwollfeldern seiner ländlichen Heimat verbrachte, hat sich selbst als Country-Sänger bezeichnet, wollte aber niemals ausschließlich auf diese Richtung festgelegt werden. Tatsächlich wird Cash in den Plattenläden jedoch bis heute fast immer unter Country, oder wie es früher hieß: Country & Western, einsortiert. Unter allen Preisen, die er im Laufe seiner Karriere gewann, bedeutete ihm die Aufnahme in die Ruhmeshalle der Country-Musik 1980 laut eigener Auskunft am meisten. Cashs Bandbreite wies aber von jeher über die engen Grenzen des Genres hinaus. Nahm er zu Beginn seiner Karriere bei Sun-Records in Memphis Mitte der fünfziger Jahre die Einflüsse des Rock and Roll musikalisch auf, wurde er in den sechziger Jahren von der aufkommenden Folkbewegung inspiriert. Sein grandioses Spätwerk, das ihm ab 1994 ein triumphales Comeback bescherte, entzieht sich der Kategorisierung noch stärker. So wurde Cashs 1996 aufgenommenes, zweites American-Album Unchained mit einem Grammy für die beste Country-Platte ausgezeichnet, während die zwei Jahre zuvor erschienenen American Recordings denselben Preis in der Rubrik „Best Contemporary Folk“ erhielten. Eine andere, weniger intensiv bearbeitete Forschungsrichtung nimmt die gesellschaftspolitische Wirkung des Künstlers in den Blick. Sie fokussiert naturgemäß stärker auf Textrepertoire, Auftreten und Äußerungen in der Öffentlichkeit sowie das soziale und politische Engagement. Mit Stefan Pavenzingers Münchener Dissertation liegt jetzt eine Arbeit vor, die diesen Aspekt in Johnny Cashs Leben und Werk zum ersten Mal systematisch und umfassend beleuchtet. Der Autor sieht die gesellschaftspolitische Bedeutung Cashs vor allem in seiner Vermittlerfunktion zwischen dem ländlich-konservativen und urban-liberalen Amerika. In den turbulenten sechziger Jahren habe es Cash geschafft, die beiden auseinanderstrebenden Seiten der US-Gesellschaft gleichermaßen anzusprechen und für sich einzunehmen. Die Arbeit...

Read More
Barry Shank, The Political Force of Musical Beauty. (Durham, NC: Duke University Press, 2014), 344 pp.
Aug31

Barry Shank, The Political Force of Musical Beauty. (Durham, NC: Duke University Press, 2014), 344 pp.

Barry Shank, The Political Force of Musical Beauty. (Durham, NC: Duke University Press, 2014), 344 pp. Amerikastudien/ American Studies, 62.1   The intricate relationship between popular music and politics has been the subject of much scholarship since the 1960s. Civil rights songs, Riot Grrrl punk music and conscious rap, among many others, have been the focus of a vast body of research, documenting the significance of music in social movements throughout U.S. history and beyond. Rock and pop music has been hailed as a “weapon of cultural revolution” and as a means to social transformation,[1] while more nuanced arguments have acknowledged the music’s intrinsic nature as a mass commodity meant to be sold and consumed as part of the culture industry.[2] A negotiation of conflicting needs guides many of the questions that have been raised: How does music exert political influence? How do pop songs shape political thought and represent political ideas? How does music foster political belonging? Or, put another way: Can sound subvert? In The Political Force of Musical Beauty, Barry Shank approaches these questions in a strikingly new and refreshing way. Shank steers clear of the popular yet somewhat simplistic notion that music serves as vehicle for political actors to communicate shared political ideas and forward an agenda. He showcases the agency of music itself, the ways in which it “enacts its own force, creating shared senses of the world” (2), as he suggests in an introductory chapter titled, tongue-in-cheek, “Prelude.” The experience of musical listening, Shank purports, forms communities characterized by difference, not unity – and this pleasurable experience has both aesthetic and political implications. Putting aside the intentions of the artists and the identity of the listeners, he highlights how music’s political force pertains to its “capacity to combine relations of difference into experiences of beauty” (16). The experience of beauty, according to Shank, is an experience that allows the listener to recognize the possibility of change, a change for a “better future”: “a truly aesthetic musical act,” he claims, “is one that reveals the political significance of sounds previously heard as nothing but noise” (3). Shank uses case studies to illustrate how the power of music is located in beauty, and how musical beauty comes to life in the act of listening. The chosen examples – ranging from Moby’s sampling of Vera Hall’s version of “Trouble So Hard” on his track “Natural Blues” to the civil rights movement’s prominent “We Shall Overcome,” the sounds of Takemitsu Toro and Yoko Ono, the Velvet Underground’s “Heroin,” poet-rock star Patti Smith, Alarm Will Sound’s concert collage 1969, and TV on the Radio’s musical encounter with Tinariwen,...

Read More